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ARQUITECTURA BARROCA

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martes 19 de enero de 2010

ESTUDIO SOBRE ELEMENTOS ARQUITECTONICOS - PATIOS COLONIALES

Estoy en la espalda del mundo,

Soñando dentro de la vereda

Escapando a un rincón del patio;

Existen tal vez pequeñas ruedas

Que hagan girar mi inocencia.

GOG- Giovanni Papinni

Por: Yuliana Yabar y Rocio Dueñas

INTRODUCCIÓN


Los patios cuqueños y la pequeña recopilación que se presenta a continuación presentan y permiten un análisis más o menos tipológico, de acuerdo a la fusión arquitectónica presente después de la conquista, por otro lado la arquitectura impositiva desarrollada en el Cusco después de la colonia esta considerada como una joya en Latinoamérica debido a que fue de tal forma el sinónimo de poder que querían alcanzar los españoles que suplantaron mucha de su arquitectura y aun así los patios coloniales se erigieron sobre antiguas canchas incas, dando lugar a un “enclave único y místico en todo el mundo”.

Por tanto el presente trabajo pretende alcanzar una pequeña muestra (de botón) del inmenso bagaje que posee la ciudad del Cusco respecto a su arquitectura colonial y tratando también, fuera de criterios sentimentales de darle su merecido reconocimiento, debido al gran aporte que dieron una maravillosa fusión única en el mundo.

Pretendo también identificar, definir y analizar, los valores de dicha arquitectura y también modestamente un estudio a lo largo de las épocas y las características de cada una de estas, en conclusión, espero poder llegar a las expectativas y requerimientos necesarios para poder entender de manera adecuada este elemento arquitectónico importantísimo dentro de nuestra propia cultura que como nuestra arquitectura es maravillosamente mestiza.

DEFINICIÓN


Debido a que el Cusco tiene una formación preincaica, las formas constructivas han variado, esto implica mutaciones formales, las cuales, han evolucionado hasta llegar al patio colonial o republicano que en líneas generales no variaron mas que en elementos decorativos pero no es cuestiones formales, entonces la plantilla instaurada por la arquitectura andaluza y la mezcla que dejaron en España los moros se ve reflejada en este legado tan lejano, tan pasado y tan profuso como el que tenemos ahora una mezcla de terrenal y pagano, con la ingenuidad y cadencia de elementos que han ayudado a enriquecer la arquitectura cuzqueña, que si merece tener nombre propio por haberse definido sola a través de lucha y llanto continuo, pero también a través de una majestuosidad espantosamente exacta y hermosa.


Es importante resaltar esta influencia por que en el sentir de la colectividad esta el rechazar la arquitectura que no fuera inca, pero es vital recordar que los artífices de esta situación fueron los herederos del antiguo imperio, por lo tanto estos trabajos se desarrollaron a partir de su estructura urbana, formal y social y al igual que en el estado inca, en la colonia las actividades eran alrededor de un patio central.

La arquitectura cusqueña, repite las formas castellanas y andaluzas, las que tienen una fuerte influencia morisca. Es dada al exterior con el que tiene sólo un punto de relación que a de ser el zaguán que en algunos casos es quebrado, para dar una relación directa del interior de la vivienda al exterior.


La planta se organiza en torno a un patio central, que viene a ser el centro relacionador de las funciones de la casa, formando cuatro pabellones principales, las habitaciones se abren hacia los patios se relacionan entre sí directamente o mediante corredores, generalmente se trata de más de un patio, en los que también se repite el esquema de distribución central. (De Mesa/1976:252- 253).


La casa cusqueña se desarrolla en la típica planta de raigambre hispánica en torno a dos o más patios, uno principal y los demás secundarios o de servicio. Dada la irregularidad de la forma de las manzanas, que obedecieron en gran parte a las formas urbanas del Cusco incaico, la forma de los solares no es uniforme lo que produce un ordenamiento algo variado de la zonificación de los patios y por ende de las dependencias de la casa. A veces se colocan los patios en profundidad es decir en un eje perpendicular a la fachada, otras se disponen en eje paralelo a la calle de fachada.

El ingreso al patio se hace desde la portada principal y única al patio mediante el zaguán.


Este ingreso no siempre es a eje, a veces se halla desplazado ligeramente hacia un costado, caso de la casa de los Cuatro Bustos y las Sierpes y la de Nazarenas. [...].E1 patio se halla empedrado con piedra menuda a veces haciendo dibujos geométricos o simbólicos. Suele haber una fila de lajas de piedra que marca caminos diagonales y sirve así mismo para dividir las aguas que se recogen en sumidero central de piedra.

CRONOLOGIA

Los patios se han ido reduciendo con el tiempo es así que los patios mas antiguos eran de mayor tamaño no tenían galerías entorno o arcos de piedra en uno de los dos lados.

Para entender un poco su concepción nos remitiremos a sus orígenes al modelo de casa mediterránea romana recogida en el renacimiento ,en las casas andaluces y castellanas ,la influencia mudéjar que se expresa en los sistemas constructivos ,el uso del ladrillo ,el alfiz mudéjar ,el abaco, el ladrillo andino , las puntas de los aleros.


XVI -XVII


Distribuyen y solo aprovechan muros, los patios coloniales que son mas grandes distribuyen las funciones principales de trabajo ,lugar caballos ,transferir y regular las domesticas , alojamiento. Actividades mas intimas en el segundo patio.

Los patios mas antiguos presentan acabados empedrados simples de piedra regular de cara plana asentada sobre la tierra con caída. Complementario a este es la fuente.


XVIII hay una sustitución (1650 ) piedra y muros amplios casos mixtos al fin del s XVIII hay una influencia neoclásica, arco carpanel .rebajado de piedra, galerías con pies derechos zapatas ,antepecho tallado apoyado en mensulas.


En la Republica hay un neoclasicismo afrancesamiento por modelos tipo imperial.


Al final de la colonia ya se construyen mas pequeños.

El patio sigue siendo el "centro de la casa", y es relativamente amplio sus dimensiones generales (10 x 15 ms.) las que utilitariamente se ven disminuidas al ubicarse en la parte central un jardín-huerta (bastante abigarrado).


Hacia este patio abren todos los recintos de la casa y los depósitos; directamente los que están en el primer nivel; mediante un corredor, los del segundo piso.


La relación de la casa con la vía pública se realiza a través de la única puerta de ingreso ubicada en el zaguán, ambos de características semejantes a las señaladas en el ejemplo anterior.


Las relaciones entre las distintas funciones domésticas también se realizan a través de este patio, pero con la inclusión de una escalera que comunica con los recintos del segundo nivel.


Formalmente se caracteriza por una sucesión de tres patios hacia los que abren todos los recintos, ya sea directamente, los ubicados en el primer nivel, o a través de un corredor perimétrico, los del segundo.

El frente de la casa es típico: tienda-puerta de calle-tienda. Las tiendas son semejantes a las descritas en los ejemplos anteriores, sólo que más amplias y con un segundo acceso hacia el primer patio.

Casa de la Plata de Armas- (Portal de Panes) Es un cuarto ejemplo que queda solamente graficado. Se ve una variante a esta casa: está en la Plaza de Armas, en la que el elemento que la hace peculiar son los portales y la función que la singulariza es la tienda (comercio central, constructivamente afronta el problema del río: está construida en parte sobre el río Huatanay canalizado por Pachacútec).

CUSCO 1824 - 1840


CUSCO 1841 - 1900


Entre las modificaciones que experimenta la casa cusqueña es destacable la introducción de la composición simétrica, influencia neoclásica, la que se expresa en planta y elevación, respondiendo a esta variable también encontramos el ordenamiento y correspondencia de vanos por ejes. Se observa con mayor frecuencia la adaptación de nuevos elementos arquitectónicos de acuerdo a los nuevos estilos y moda capitalina.


La típica arquitectura colonial se recubre de nuevo ropaje,


CUSCO 1901 - 1934


Tenemos adaptaciones más simples del típico patio central colonial. Entre estas podemos ubicar las que se construyeron en la zona de Santiago y Belén en general, antiguas zonas despobladas y antiguos corrales y huertas. De uno , dos, tres y muy rara vez de cuatro pabellones, con galerías de madera en el segundo nivel para la circulación, escaleras externas de madera que parten del patio interior o son empotradas. La calidad arquitectónica es mucho más pobre respecto a sus antecesoras coloniales.


Se suman a esta adaptación de la tipología colonial algunas construcciones que conservan el patio como espacio
distribuidor pero que separan el segundo nivel concibiéndolo como una estructura funcional aparte, ya que su ingreso es diferenciado directamente de la calle, por medio de una puerta que conduce únicamente a las escaleras para el segundo nivel y el patio no necesariamente está flanqueado por cuatro pabellones al estilo colonial; tienen esta concepción funcional.





CONCLUSIONES


Podemos apreciar que desde los patios mas antiguos hasta los actuales ha habido grandes modificaciones respecto al tamaño ,los cerramientos que lo definen ,materiales,etc. Esto podria ser debido a un factor de uso y necesidades de los habitantes creo que las nuevas modificaciones que tienen estos pacios por una adecuacion a nuevo uso en algunos casos hacen que se pierdan la idea original de estos patios ya que los nuevos techos vicriados a nivel urbano genera una distorcioon por el reflejo que causan.








BIBLIOGRAFIA


Patrones de asentamientos ; Carlos Castillo Venero


Arquitectura cusqueña en los albores de la República (1824 – 1834) ; Violeta Paliza Flores

lunes 18 de enero de 2010

UNA PIEL VERDE PARA MAMBA

Miércoles 2 de diciembre de 2009 | Publicado en edición impresa LA NACION

Arquitecto Emilio Ambasz . Foto:Emilio Ambasz

Avanza el proyecto de ampliación del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, del arquitecto Emilio Ambasz, que podría inaugurarse en un año y medio. Tendrá balcones con árboles en la fachada de la avenida San juan, y enredaderas en la opuesta, hacia la autopista 25 de mayo.

El Mamba tendrá balcones con árboles en la fachada de la avenida San juan, y enredaderas en la opuesta, hacia la autopista 25 de mayo. Corte de la propuesta original . Foto:Emilio Ambasz

Finalmente avanzan las obras de ampliación del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 12 años despúes de que el arquitecto Emilio Ambasz donara el proyecto y de que una saga de idas y vueltas, y falta de efectivo, retrasaran la ejecución.

Ahora por los andamios se ve circular a los obreros, en plena tarea, gracias -al decir de sus mecenas- a los diez millones de pesos destinados al plan, y a la voluntad política del actual jefe de gobierno que se propone inaugurar las salas en al menos año y medio, lo que llena de expectativa a los vecinos del barrio.

El proyecto casi no ha sido modificado, y parte de la reutilización de las estructuras existentes de la ex fábrica de la tabacalera Nobleza Picardo, construída en el siglo XIX, y del edificio lindero levantado en la década del 50 en hormigón armado. Ambos quedarán unificados y envueltos en una piel verde lograda mediante balcones cubiertos de plantas, una forma de rendirle homenaje al caracter residencial del barrio donde está emplazado el edificio, donde aun quedan casas de patios en flor y terrazas con geranios. Sobre av San Juan la fachada tendrá balcones verdes y la parte trasera que mira a la autopista presentará, según explica la memoria descriptiva, "un muro poroso, a traves del cual crecerán enredaderas, y del cual emergerá una neblina de agua para refrescar las plantas".

Para Emilio Ambaz, que vive y trabaja en Nueva York, lo importante es que finalmente el edificio está en marcha, y que con un poco más de viento a favor (fondos), estará a la altura de los museos internacionales.

-¿Cuáles fueron los elementos del paisaje local que tuvo en cuenta a la hora de diseñar el Mamba?

-Las casas coloniales con grandes patios y plantas, canteros con malvones, zaguanes también llenos de plantas. Ese era el recuerdo que yo tenía del barrio que rodea al museo, balcones que salían de la terraza, espacio que algun dia sería cedido a la hija, cuando se casara.

-¿Cómo se relaciona la propuesta con ese entorno urbano, hoy decadente?

-La idea es que un edificio de importancia pública bien hecho, con buenos materiales convencerá a los vecinos de la zona, que deben ser bien tratados, porque de esa manera respetarán también el edificio. Está probado que en zonas decadentes, cuando se construye un edifico de importancia, eso tiene un efecto en todo el tejido urbano, mejorándolo. Por ejemplo, cuando Rockefeller donó el terreno a las Naciones Unidas era zona de Mataderos y hoy están ahí las residencias más caras en Nueva York, lo mismo sucedió con Lincoln Center, y así en todas las ciudades donde en las áreas deterioradas se levantaron edificios de importancia, con materiales buenos y construidos a partir de una arquitectura de calidad han tenido un gran efecto en zona circundante.

- ¿Cree que será capaz el diseño de cumplir el objetivo de ser un modelo de cómo se puede refuncionalizar edificios patrimoniales, como el que ocupa el Mamba?

-Tengo una gran experiencia en Italia en refuncionalizar edificios existentes. Como usted sabe en Italia gran parte del patrimonio arquitectónico está congelado, no se puede en muchos casos construir nada nuevo y ciertamente tampoco derrumbar los de valor histórico, de modo que parte de la ocupación de arquitectos italianos es poner en valor lo antiguo. Tengo la mayor esperanza de que viendo cómo se ha reutilizado la fábrica de Nobleza Picardo se entienda que es posible hacerlo en esta zona de San Telmo y en Barracas, donde han quedado muchos edificios de arquitectura industrial

-¿Cómo se modificó la fachada que da a la autopista?

-La fachada que mira hacia la autopista ha sido un poco modificada porque se pensaba que si se usaba para proyectar imágenes abstractas o anuncios de programas del museo distraería a los automovilistas, mucho más de lo que ya los distraen los carteles de señoritas en ropas menores que hay a los costados. Lo que hice fue rediseñarla, que fuera una barba verde de la que sale una especie de niebla, resuelta mediante un sistema utilizado para regar las plantas. Quizá con el tiempo se pueda proyectar ahí alguna imagen.

-¿la nueva propuesta cumple estandares museológicos internacionales?

-Este museo fue diseñado para cumplir con las normas impuestas por el ICOM - Internacional Congress of Museum - y si se construye con una mano abierta y se hace lo que se debe para que sea capaz de preservar su patrimonio y merezca respeto de otros museos, para que éstos le puedan prestar obras, y entonces cumpliría las normas del ICOM, va a ser un museo de nivel internacional.

-¿Qué evaluación hace de las idas y vueltas que dieron los sucesivos gobiernos locales hasta impulsar el comienzo de la obra, casi 12 años después de haber donado el proyecto?

-Mire, yo soy una persona que mira pa´lante , como decíamos cuando éramos gauchos. Yo miro para adelante. Si pudiera mirar para atrás tendría que amargarme y contarle una cantidad de historias tristes de miserias locales, lo importante es que el actual jefe de Gobierno entendió la importancia del edificio y lo ha impulsado y dedicado fondos, no obstante la situación económica tan critica.

-¿Participa directamente (a la distancia) en la ejecución de las obras?

-Claro, si. Tenemos conferencias telefónicas todas las semanas y está el arquitecto Martin Fourcade a cargo de desarrollar el proyecto según las pautas de mi diseño. A su vez, el ministerio de cultura ha nombrado al arquitecto Alejandro Corres que tiene la autoridad para examinar todo lo que propone el Ministerio a cargo del arquitecto Daniel Chain, esta área es la que está encargada de la etapa o proceso real de la construcción.

-Respecto de trabajar en la Argentina, ¿ha recibido propuestas para hacer proyectos en el país? Si las rechazó, ¿cual fue la razón?

-No, ninguna propuesta.

-¿Qué piensa acerca del discurso contemporáneo sobre la arquitectura sustentable y las prácticas constructivas amigables con el medio ambiente?

-Si se me permite la arrogancia, hace 35 años que hago arquitectura verde, sustentable, pretendo ser el precursor de ese tipo de arquitectura; tengo hijos y nietos, así que estoy muy contento de que finalmente lo que una vez se vió como una actividad de un loco lindo, yo, una cosa utópica que no tenía razón práctica y que no me proveía una fila de clientes frente a mi estudio, hoy se ha convertido en una idea respetable y difundida por muchos arquitectos. Ahora que he tenido ese gusto de ver la cosa con éxito, si solo pudiese aprender a "robarles" a mis clientes, me abriría mi propio banquito.

DON JUAN VUELVE A SEVILLA



Burla, burlando, el amante más famoso de toda la historia regresa a la ciudad que le daría vida de mano de Tirso de Molina. El fraile creó un personaje atemporal con una intención moralista; no pudo prever, sin embargo, el atractivo de la trasgresión y, así, surgió el mito: Don Juan. Un libertino que alcanzaría fama mundial y que conocería posteriores versiones muy diferentes en distintos medios.
Ahora, una original exposición recoge algunas de estas visiones en una muestra organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales y distintas instituciones sevillanas, que podrá visitarse en la Sala Santa Inés (Sevilla, España) hasta el 14 de febrero del próximo año.

Arquetipo literario de la seducción y el engaño, Don Juan Tenorio nació en el s.XVII asociado a la imagen que ha llegado hasta la actualidad, si bien su vocación conciliadora de la existencia del libre albedrío sufriría una importante reforma en el Romanticismo con Zorrilla al pasar su redención por la obligatoriedad del amor. De esta manera, la evolución del personaje a lo largo de las diversas versiones conformaría una leyenda hoy día más próxima al amante que al burlador, aunque la carga trágica de la insatisfacción ha permanecido latente en el mito (en el cual una buena parte de la crítica ha querido ver incluso una extraña metáfora de la homosexualidad, al precisar Don Juan siempre de un forum de oyentes masculinos que aprecien sus andanzas).
En cualquier caso, Don Juan posee un lugar propio en la literatura, engrosando la lista de prototipos nacidos en los siglos de oro españoles. Una figura que posee su reflejo en las artes plásticas, de forma anecdótica sin embargo; motivo por el cual se hace aún más interesante la exposición "Visiones de Don Juan", destinada a mostrar algunos de los principales modelos que darían a luz autores como Molière, Byron (y su inconclusa y sarcástica creación), Prosper Mérimée, Choderlos de Laclos (en una cortés y cruel clave), Espronceda, o Lorenzo da Ponte y Mozart (en su versión musical), entre muchos otros.

Trescientas piezas, reunidas por La Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), el Ayuntamiento de Sevilla y la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, ofrecen por primera vez una mirada en profundidad sobre las diversas reencarnaciones del arquetipo, destinada a recuperar al personaje original de Tirso mediante el análisis de su origen y evolución. Una muestra que cuenta con la colaboración del Instituto Cervantes y donde pueden apreciarse obras, cedidas por instituciones de todo el mundo, de autores como Henri Rousseau, Fragonard o Madox Brown, que se complementan con diversas piezas en papel, entre las que se encuentran la partitura original de Mozart para Don Giovanni, el libreto de Da Ponte y el cartel del estreno de la ópera en 1787, sin contar los diversos estudios centrados en esta figura compleja, ensoñadora y universal.

Más información: SECC

ARTE (18-01-2010)

DIAGONAL
Autor:Montesol
Tipo:Pintura
Descripción:Acrílic d/tela- 120x140cm

sábado 16 de enero de 2010

ARTE (16-01-2010)

Santa Cruz de Rivadella

Autor:Borja Fernández
Tipo:Pintura
Descripción:Oli 60 x 60 cm

Polémica por un museo para Munch

En NoruegaSe critican las dimensiones gigantescas del edificio destinado al legado del pintor de El gritoUn proyecto para levantar un nuevo museo en Oslo, que albergará el legado artístico del pintor noruego Edvar Munch, ya causa controversia.

Según informó el diario El País , el debate tiene que ver con el impacto urbanístico del edificio proyectado por el arquitecto español Juan Herreros que, en 2013, se levantará en el barrio de Bjorvika, en la bahía de Oslo, como parte de un plan de remodelación que busca abrir la capital noruega al mar.

El proyecto fue adjudicado al arquitecto español en abril pasado, tras ganar un concurso al que también se presentaron superestrellas como Zaha Hadid y Tadao Ando. El plan abarca el Museo Munch -que guardará el legado del autor de El grito , de 1893-, una playa, un barrio residencial y una biblioteca.

El propio director general de Patrimonio Nacional de Noruega, Jorn Holme, se expresó con reservas sobre el proyecto, que afecta la zona en la que Oslo fue fundada, en la Edad Media. "Patrimonio Nacional ha expresado su objeción al emplazamiento del edificio, no al edificio en sí mismo", aclaró la directora general, Margrethe Tviberg, quien afirmó que la preocupación se encuadra en la discusión sobre toda la remodelación urbanística de Oslo, encarada por su gobierno local.

El director de la Opera de Oslo, Tom Renlov, planteó algunas objeciones más concretas. "El edificio será desproporcionadamente alto, resaltará enormemente y llamará mucho la atención", explicó, según recogeEl País . Renlov no ocultó su preocupación por el "conflicto" que supondrá la proximidad del Museo Munch con el actual edificio de la Opera y Ballet Nacional de Oslo, otro inmueble inconfundible.

Un debate normal

El arquitecto a cargo de la obra afirma que es un debate normal en un país como Noruega. "Es una forma de ejercer la práctica arquitectónica en un contexto de alta participación colectiva", dijo. "En lugar de desarrollarse en una sala de reuniones, es público. No me preocupa dónde va a terminar el proyecto. Mi trabajo no consiste en defenderlo, sino en adaptarlo. Lo que no está en discusión es el proyecto. Habrá un Museo Munch y lo haremos nosotros".

En 2004, los arquitectos Antonio Cruz y Antonio Ortiz, que remodelaron el Rijksmuseum de Amsterdam, vivieron un conflicto similar cuando su proyecto inicial fue rechazado por la Federación Ciclista de la ciudad, porque suponía cerrar el paso de bicicletas por la galería central del edificio. El nuevo proyecto permite un uso mixto para peatones y ciclistas.

Un enigma sobre Van Gogh se devela :Afirman que se cortó la oreja cuando se enteró de que su hermano Theo iba a casarse


Jueves 7 de enero de 2010 | Publicado en edición impresa

LONDRES ( The Sunday Times ).- El misterio que rodea la más famosa mutilación de la historia del arte por fin podría haberse develado.

Fragmento de Autorretrato con oreja vendada, de Van Gogh Foto: Archivo

Un experto descubrió evidencias de que un desesperado Vincent van Gogh se cortó la oreja tras enterarse de que su hermano, Theo, de quien el pintor dependía financiera y emocionalmente, estaba a punto de casarse.

Martin Bailey, autor de un libro sobre Van Gogh y curador de dos exhibiciones de su obra, elaboró su teoría después de realizar un meticuloso trabajo detectivesco sobre una carta en una pintura que el artista completó muy poco tiempo más tarde de su autoagresión.

Bailey concluye que la carta fue escrita por Theo desde París en diciembre de 1888 y contenía noticias sobre su compromiso. Esta noticia, cree Bailey, desequilibró a Vicent, quien ya se encontraba psicológicamente perturbado, y lo impulsó a autoagredirse. "Vincent temía perder el apoyo emocional y financiero de su hermano", escribe Bailey en el número de enero de The Art Newspaper .

Teorías y argumentos

Durante años han persistido los debates sobre lo que realmente motivó que Van Gogh se mutilara una oreja justo antes de la Navidad de 1888. Algunos afirman que el incidente se debió a la enfermedad mental del pintor; otros dicen que enloqueció debido al plomo contenido en sus pinturas. La ruptura de Van Gogh con Paul Gauguin, su colega y amigo, ha sido mencionada como motivación, aunque también se alega que fue el propio Gauguin quien inventó esa historia de ruptura.

Académicos de la Universidad de Hamburgo arguyeron recientemente que Gauguin le cortó la oreja durante una pelea por una prostituta llamada Rachel, pero esta teoría fue desestimada por el museo Van Gogh de Amsterdam y también por Bailey.

El investigador sostiene su hallazgo de que la boda de Theo habría originado la crisis del artista sobre la base de un estudio detallado de la obra de Van Gogh Naturaleza muerta: tablero con cebollas . La obra fue terminada a principios de 1889, justo un mes después del incidente de mutilación de la oreja.

La pintura incluye un sobre en una mesa. Bailey lo examinó microscópicamente y descubrió el número 67 dentro de un círculo. Esa era la marca oficial de una oficina de correos de la Place des Abbesses, próxima al departamento de Montmartre ocupado por Theo.

El sobre tiene un sello especial de franqueo que dice "Primer día del año nuevo". El museo postal de París confirmó que en la segunda mitad del siglo XIX se ponía ese sello en los sobres a partir de mediados de diciembre. Bailey cree que Van Gogh puso deliberadamente el sobre en su pintura debido a su profunda significación.

Vincent usualmente recibía el dinero de Theo alrededor del día 23 de cada mes, aunque a veces había dos envíos en un mes. Se sabe por una carta que el artista le escribió a Theo a fines de enero de 1889 que había recibido "el muy necesitado dinero" el 23 de diciembre.

Bailey afirma que la carta que se ve en la pintura contenía la noticia de que Theo le había propuesto matrimonio a su novia, Johanna Bonger. La carta, fechada el 21 de diciembre, es de Theo a su madre, para pedirle permiso para casarse. "Sin dudas, Vincent sería el que recibiría la noticia a continuación", dice Bailey.

Traducción de Mirta Rosenberg

Un cronista del siglo XX, que usó la cámara como un pincel. Se exhiben 106 obras del fotógrafo Werner Bischof, que combinan denuncia y estética

Laura Casanovas

LA NACION

"Fue sólo una casualidad que la cámara y no el pincel se convirtiera en mi acompañante", sostuvo alguna vez el fotógrafo suizo Werner Bischof, quien combinó su gran talento artístico con su sensibilidad humana para retratar en imágenes situaciones, personas y momentos paradigmáticos del siglo XX.

Una muestra con 106 de sus imágenes, en el Centro Cultural Borges (Viamonte y San Martín), permite repasar su breve, pero intensa carrera, al haber fallecido en un accidente cuando sólo tenía 38 años.

Así se puede seguir su camino como reportero gráfico por la Europa de la posguerra entre 1945 y 1948, y luego por la India, Japón, Indochina, Hong Kong, Corea, México, Estados Unidos, Panamá y Perú, entre 1951 y 1954, a través de la propuesta curatorial de su hijo, Marco Bischof.

"Sus primeros trabajos son más experimentales al haberse formado con gente vinculada con la Bauhaus. El reconocimiento internacional le llegó con la serie sobre la India que hizo para la revista Life ", contó Virginia Fabri, directora del Departamento de Fotografía del Centro Borges, mientras recorría la muestra con LA NACION.

Acerca de la realidad que encontró en la India, Bischof expresó: "Yo sólo podía fotografiar esa miseria para llevarla afuera". Una miseria que en sus fotos mostró a través de rostros y de manos que expresan desesperación.

Tiempo antes había fotografiado otros rostros, los de la posguerra europea. En una de las imágenes presente en la exposición, hay unas niñas arriba de un tren que miran por la ventana. Una de ellas, muy pequeña, no se mueve y el único indicio expresivo en su rostro serio son dos lágrimas que empiezan a caer. La foto tiene como título Un tren de la Cruz Roja transportando niños a Suiza, y la tomó en Budapest, en 1947.

Documento y arte

Los trabajos de Bischof se publicaron en los principales medios de Europa y de los Estados Unidos, comoParís Match , The Observer , Life , entre otros. Además, fue uno de los fundadores de la agencia Magnum, junto con otros grandes nombres, como el de Robert Capa y Henri Cartier-Bresson.

Las imágenes de Bischof no sólo documentan, sino que ofrecen una destacada perspectiva estética. Frente a la foto Posada de agricultores, tomada en Hungría, en 1947, la memoria visual inevitablemente recuerda a Caravaggio, ese gran pintor italiano de fines del siglo XVI.

Fabri contó que Bischof era "un excelente dibujante" y que antes de fotografiar a la gente la dibujaba. En la muestra, se lo puede ver en una foto haciendo exactamente eso.

De su viaje por América latina hay desde un retrato que le tomó a la artista mexicana Frida Kahlo, en su taller de la ciudad de México, hasta imágenes de las ruinas de Machu Picchu. Y la infaltable presencia de personas anónimas cuyos gestos y actitudes parecía registrar como si conociera su alma.

La idea de Bischof al viajar a América latina era llegar hasta Tierra del Fuego. Pero en un viaje en auto para tomar fotos a una mina en Perú, lo sorprendió la muerte, en 1954. Sin embargo, en su amplio archivo fotográfico permanece intacta la pasión, el talento y la sensibilidad que lo llevaron por tantos lugares.

Werner Bischof. El sueño de la verdad se puede ver hasta el 31 de este mes.

LOS COLORES UNIDOS


"Una tomadura de pelo que nada tiene que ver con la pintura" fue el pensamiento de la mayor parte de los asistentes a la exposición que en 1874 tuvo lugar en el Boulevard des Capucines de la capital francesa. Comenzaba una forma de entender la pintura basada en la libertad, y alejada del riguroso academicismo, que se ganó el apelativo despectivo de "impresionismo". Hoy, casi siglo y medio después, se celebra como una ocasión especial la llegada de una muestra de este grupo de vanguardistas que arrasaron con las convenciones en materia de luz, color y percepción.La Fundación Mapfre (Madrid, España) presenta ahora un conjunto de obras maestras del estilo, procedente del Musée d'Orsay, en una ambiciosa e indispensable exposición.


Bajo el título Impresionismo. Un nuevo Renacimiento la muestra aborda este periodo desde el punto de vista de la ruptura que el movimiento introducirá en el campo de las artes, a las que concedió un "renacer" al despojarlas de los lastres que la pintura institucional había asentado en sus modos y formas. Un cambio lógico, auspiciado por la evolución natural de la pintura, que convivirá a la perfección con otras corrientes de la modernidad existentes en el París de finales de un siglo XIX cuya naturaleza demandaba ya una transición hacia un mayor naturalismo. Y será en este contexto donde podrá germinar un movimiento como el impresionismo , cuyos resultados se "ampararán" en la persistencia retiniana, que deja de lado la rigidez del dibujo para tender a la mayor espontaneidad que el manejo de recursos como la luz, el color, la pincelada, podían ofrecer.

La exposición recorre la historia del movimiento a través de las grandes obras que el Musée d'Orsay ha cedido para la ocasión, tomando como hilo conductor del mismo a un autor clave en su desarrollo, Manet, y su relación con la obra velazqueña. Un conjunto de 90 piezas, entre las que se encuentran grandes pinturas de autores como Monet, Renoir, Pisarro, Cézanne o Sisley, componen la muestra de mayor importancia presentada sobre el impresionismo hasta el momento en España.


Más información: Fundación Mapfre